Индийские художники — от истоков до современности. Искусство живописи в индии очень древнее Особенности индийской древней живописи ее центры

Здравствуйте, дорогие читатели – искатели знаний и истины!

Предлагаем вам прикоснуться к прекрасному – к искусству. Такая богатая в культурном плане страна, как Индия, славится своей живописью, начиная с древних времен и заканчивая современностью. Сегодня мы хотим рассказать, какие индийские художники были известны миру в истории и сейчас, как они жили, как творили и чем прославились.

Будет интересно, а главное – познавательно.

Живопись древности

Древняя индийская живопись ассоциируется в первую очередь с пещерами Аджанты и их фресками. Приблизительно со 2 столетия до нашей эры тут жили буддийские монахи. К 5 столетию нашей эры в Индии, вытесненный индуизмом, и монахи покинули территорию.

Чудеса, скрытые за стенами пещеры, были открыты много лет спустя – лишь в19 веке. В 1819 году охотники из Англии случайно наткнулись на бывшие святыни и обнаружили внутри удивительные по красоте настенные фрески. Они изображали фрагменты жизни главного учителя буддизма, его приближенных, а также правителей Древней Индии и представителей царского двора.

Пещерные фрески Анжанты

В 1920-е годы ставшие знаменитыми фрески пещер Аджанты отреставрировали. Впоследствии их признали гордостью Индии, культурным наследием древних художников, имен которых, увы, не осталось.

Средневековье

Уход монахов буддизма означал окончание эпохи пещерной росписи, но не исчезновение индийского живописного искусства в целом. Напротив, подобные события повлекли за собой новый виток развития, а именно – книжную миниатюру.

Направление миниатюр появилось к 10-му столетию, а пика достигло благодаря так называемой гуджаратской школе в 13-15 веках. По большей части миниатюры использовались в джайнистской литературе, в частности, в «Калпасутре».

Особенность изображений состояла в том, что лица имели немного искаженный вид: оба глаза писались в анфас, нос был острым и длинным настолько, что выходил за щеки. Грудная клетка тоже была нарочито выдающейся.

Древняя индийская книжная миниатюра

16-17 столетия характеризуются развитием раджпутской живописи и могольской миниатюры. Последняя стала особенно популярна при дворе Великих Моголов во время правления Джахангира в 17 веке – с 1605 по 1627 год.

Про Джахангира говорили, что он был пристрастен к алкоголю, опиуму, праздной жизни и женщинам. Отчасти это правда – среди других падишахов империи Моголов он был более склонен к такому образу жизни. Но при этом он считался большим ценителем искусства, взрастил выдающихся художников при дворе, да и сам обладал бесспорным талантом художника.

Могольская миниатюра

До наших дней сохранилось несколько портретов Джахангира.

Одним из самых великих художников – современников и протеже Джахангира был Бичитр. Времена его творчества датируются 1610—1660 годами.

Воспитанный при дворе, он был неплохо образован, знал персидский язык как иностранный. Учителем по рисованию был Абу-ль-Хасан. Художественная карьера началась в придворной мастерской, которая именовалась как китабхана.

Первой работой считается картина, написанная в 1615 году, и уже тогда прослеживается индивидуальный стиль художника. Годом позже он написал портрет падишаха Джахангира, а также собственный автопортрет. Бичитр изобразил себя как молодого человека в районе тридцати лет в одеянии придворного.

Среди остальных художников двора Бичитр отличался отточенной техникой, воснове которой лежала реалистичность и точная передача эмоций на лице. Он стал известен как выдающийся портретист – картины Бичитра изображали главные события в истории империи, правителей, членов императорской семьи, знать, духовников, а иногда даже животных.

Бичитр. Картина «Акбар передаёт императорскую корону Шах Джахану». Альбом Минто, 1631 г.

Большую известность художник приобрел при царствовании Шаха Джахана – последователя Джахангира. В работах можно проследить некоторое влияние европейских канонов живописи того времени: герои изображались боком или полубоком, в ¾ фигуры, а каждая картина венчалась индивидуальным орнаментом. Позже, в 30-е годы, можно увидеть изменение стиля от некоего романтизма до лаконичности, сдержанности.

Новое время

В 18 веке усиливалась колонизация, и к 19 столетию Индия, претерпевшая века правления мусульман, а затем – европейских колонизаторов, почти полностью утратила свою самобытность. Индийская живопись во многом переняла стиль художников Европы, в первую очередь – Англии. Но 19-20 века богаты замечательными мастерами кисти, и мы хотим рассказать о главных из них.

Раджа Рави Варма

Раджа Рави Варма считается первым индийским художником, всерьез увлекшимся картинами на холсте. Он жил и творил во второй половине 19 века по большей части в Бомбее – нынешнем Мумбаи.

Художник родился в 1848 году на территории современной Кералы в благополучной и довольно богатой семье, знакомой с наукой и искусством: отец – ученый, мать – литератор и поэт, а также трое братьев и сестер.

Раджа Рави Варма

Будучи начинающим художником, Раджа Рави Варма нашел покровительство местного махараджи. Благодаря ему он обучался у известных учителей:

• Рама Найду Свами – раскрывал тайны картин, написанных акварелью;
• Теодор Дженсон – выходец из Европы, специализировался на портретах маслом.

Навыки, способности, знания, привитые учителями, способствовали созданию индивидуального стиля Рави Вармы. Он вобрал черты английского аристократизма и индийской самобытности. Картины художника многие называют очень чувственными, иногда даже слишком, но именно это привлекает сентиментальных индийцев, поэтому до сих пор во многих домах можно увидеть репродукции его работ.

Мотивы картин тоже были самыми разными, порой даже противоположными:

• портреты;
• исторические события;
• мифические сюжеты;
• представители викторианской эпохи;
• быт простого индийского народа;
• сцены из «Махабхараты»;
• индийские мужчины и женщины в сари;
• боги индуистского пантеона.

Любой сюжет давался мастеру одинаково хорошо. Реалистичности бытовому жанру придавал тот факт, что он путешествовал по всей Индии в поисках идей, лиц и видел все своими глазами.

В 1873 году Раджа Рави Варма устраивал собственную выставку в Вене, за что был удостоен премии. Спустя двадцать лет он участвовал во Всемирной выставке в Чикаго и заслужил два «золота».

Амрита Шер-Гил

Амрита – первая знаменитая женщина в индийской живописи. Она творила в 20 веке, а ее работы удостоены звания национального достояния Индии.

Амриту Шер-Гил также часто называют индийской Фридой Кало. Действительно, у девушек много общего: во внешности, образе жизни, судьбе. Обе с ярким внешним видом, темными волосами и густыми бровями, они своим поведением порождали слухи о множестве любовников и любовниц, а в итоге обеих ждала скоропостижная смерть.

Девушка родилась в начале 1913 года в венгерской столице – в Будапеште. Семья отличалась статусом и образованием: отец был из сикхской аристократии, преподавал санскрит и персидский, мать – еврейка из Венгрии, пела в опере. Также у Амриты была сестра Индира, с которой они с самого детства были близки, вместе устраивали детские показательные выступления.

Амрита Шер-Гил (справа) и ее сестра Индира

Семья жила в Будапеште. Амрита была очень творческой девочкой: играла на фортепиано и скрипке, но лучше всего ей давалось рисование, которым она занималась с пятилетнего возраста.

В 10 лет девочка с матерью переехала во Флоренцию, где поступила в школу искусств, но скоро они вынуждены были уехать в Индию. В 16 лет Амрита снова приехала в Европу, на этот раз в Париж, где стала еще ближе искусству живописи.

Сама Амрита, повзрослев, писала в своем дневнике, что Европа принадлежит многим художникам, а Индия принадлежит только ей.

В начальных творениях девушки заметен европейский стиль, что неудивительно. Первой достойной работойой можно назвать картину «Юные девушки», написанную в 1932 году. Позже Амриту начали узнавать в художественных кругах и приняли в парижское сообщество, чем не могла похвастаться ни одна азиатка прежде.

Амриту Шер-Гил называют самой дорогой художницей в истории Индии.

В середине 30-х годов девушка чувствовала, что ей хочется вернуться на родину. Там она много путешествовала и нашла, наконец, свое призвание – показывать в картинах быт индийского народа, граничащий с нищетой и угнетением. Ярким примером реалистичного взгляда на жизнь индийцев является работа-трилогия, состоящая из картин:

• «Туалет невесты»;
• «Брахмачари»;
• «Крестьяне Южной Индии».

В 1938 году Амриту взял в жены ее двоюродный брат из Венгрии, а тремя годами спустя они перебрались в Лахор, бывший тогда культурной столицей Индии. Юная художница планировала устроить собственную выставку, но неожиданная болезнь, которая перешла в кому, забрала ее жизнь. Это случилось 6 декабря 1941 года. Нет официальной причины ее смерти, но одна из версий – последствия аборта.

Сегодня многие работы Шер-Гил хранятся в Галерее современного искусства в индийской столице. Там же названа улица в ее честь. Племянник Амриты, сын Индиры, впоследствии тоже стал художником и один свой проект, посвященный творчеству тети, выставлял в Лондоне.

Современность

Художественный талант Индии достиг своего пика, пожалуй, в современном мире. Подтверждение тому – большое количество художников нашего времени: пейзажистов, портретистов, абстракционистов, сюрреалистов и других современных направлений. В последнее время Болливуд часто радует своих зрителей фильмами, где главные герои – люди, влюбленные в изобразительное искусство.

Приведем список самых ярких представителей этой творческой профессии среди наших современников.

• Джаганнатх Пол

Наследственный художник, родился в 1976 году. Учился в Калькуттском колледже искусств, сейчас живет в Мумбаи. Главная тема работ – взаимоотношения полов. Воплощает идеи с помощью контрастных цветов акрилом, а также углем.

• Амит Бхар

Появился на свет в 1973 году в Западной Бенгалии. Малая родина с ее первозданной природой, простой пасторалью, а также чтение книг во многом оказали влияние на будущую профессию мальчика. Рисует акварелью, акцентируя внимания на игре светотени.

• Бхаскар Лахири

Земляк Амита Бхара, но родился раньше – в 1961 году. Получил высшее художественное образование в Калькутте, был учеником другого мастера – Бхаттачарджи.

Бхаскар Лахири. Триратна

• Уша Шантарам

Вся ее жизнь связана с Бангалором. Создает удивительные картины на национальные мотивы, а также делает упор на язык телодвижений. Еще удивительнее то, что она училась художеству самостоятельно.

• Кришна Ашока

Родившись в 1963 году, в молодости он получил степень бакалавра в области изобразительного искусства. Впоследствии выставлял свои проекты на множестве выставок, в том числе за границей. Любимый материал – акрил.

• Винита Дасгупта

35-летняя художница считается одной из самых влиятельных и дорогостоящих женщин в сфере живописи 21 века. Сама себя называет «рассказчиком».

• Нишант Данге

Молодой человек рисует исключительно углем. Это трудно и просто одновременно, но всегда невероятно красиво. Всего один цвет, черный, может передать целый спектр чувств.

• Арчан Наир

Уроженец столицы, Арчан прославился благодаря так называемым цифровым работам. Это его собственный стиль, в основе которого лежит абстракционизм, поп-арт и недюжинный талант.

• Адиб Шейх

Живет и творит в Мумбаи. Виды родного города, его жители позволяют творцу черпать вдохновение. В основе – жизнь обычных людей, раскрашенная контрастной палитрой. Абид не раз участвовал в выставках в родной стране, в Сингапуре, а также создавал персональные экспозиции.

Заключение

Изобразительное искусство Индии имеет многовековую историю, зародившись на стенах пещер. С течением времени художники меняли свое видение мира, в том числе под влиянием представителей других культур – отсюда знаменитая раджпутская живопись, могольские миниатюры и их творцы.

Имена индийских художников известны миру только начиная с 17 века, но это было только начало. Новое время подарило Индии и человечеству в целом много выдающихся живописцев, и в нашем веке их число только растет.

Древняя индийская фреска

Большое спасибо за внимание, дорогие читатели! Надеемся, статья помогла вам стать ближе индийскому искусству и познакомила с интересными художниками. Если вам понравилась статья, поддержите нас, делитесь статьей в социальных сетях, оставляйте комментарии, чтобы искать истину вместе – мы будем очень рады.

Индия – одно из древнейших государств с яркой и многоликой культурой. На формирование особого, присущего ей архитектурного стиля, а также на скульптуру, живопись, музыку и танцы повлияли три разных религиозных течения – буддизм, индуизм и ислам. В связи с этим до наших дней сохранились исторические культурные памятники, способные многое рассказать о жизни страны в древние времена.

Архитектура Индии

Основной религией Индии является индуизм, это многогранное религиозное учение, имеющее многообразный пантеон богов. Индуистские храмы, или как их еще называют мандиры, представляют собой удивительное зрелище, это каменные столпообразные сооружения, покрытые тончайшей резьбой по камню. Храм обычно посвящают одному из воплощений бога или одному из девов, именно ему приходят поклоняться. Существует и храмы посвященные нескольким богам сразу. Индуистские храмы в Индии, сохранившиеся до наших дней, имеют важное историческое или археологическое значение, поэтому находятся под охраной Археологического управления Индии. Чаще всего такие храмы были построены из кирпича и дерева, к тому же по архитектурному стилю они отличаются друг от друга в зависимости от района, где они находятся. Огромная часть индуистских храмов пострадала во времена исламского господства.

К буддийской архитектуре относятся построенные в скалах буддийские храмы с многочисленными изваяниями Будды в образе человека. Каждая из таких статуй несет людям зашифрованное послание, поэтому по различным мельчайшим деталям можно сказать очень многое о том, что хотели донести до нас наши предки. В буддийских храмах находятся «ступы», представляющие собой круглы мемориальные сооружения. Предполагается, что в них когда-то хранились останки усопших. Стены буддийских храмов украшены фресками с изображением сцен из жизни Будды, которые сохранились в отличном состоянии до нашего времени, благодаря использованию особых стойких красок.

С тех времен, когда Индия попала под влияние исламских завоевателей, на ее территории было построено множество прекрасных мечетей. Самой известной достопримечательностью Индии, является мавзолей мечеть Тадж-Махал. Она явилась символом любви Шаха Джахана к своей жене Мумтаз, которая умерла при родах. Тадж-Махал выполнен из белого мрамора, украшен тончайшей резьбой и установлен на огромном постаменте, поэтому напоминает белое воздушное облако. Другие мечети распложенные на территории Индии тоже имеют важное культурное значение.

Скульптура Индии

Помимо храмов до наших дней дошло большое количество статуэток представляющих собой богов. Главные индуистские боги – это Брахма (творец, его воплощение представляет собой сидящую человеческую фигуру с несколькими головами и несколькими руками, чаще всего он сидит на цветке лотоса), Вишну (охранитель, его воплощение представляет собой различные аватары: чаще всего его изображают синего цвета с четырьмя руками, в каждой из которых находится морская раковина, диск, булава и лотос, также он может изображаться сидящем на кольце из змей, или на спине у птицы. Другие аватары присущие Вишну – это Рыба, Черепаха, Человеколев, Вепрь, Карлик, Рама, Кришна и Будда. У ног Вишну может находится изображение его жены.) Шива (разрушитель, его изображают иногда в образе аскета, тело которого натерто белым пеплом, сам он сидит в позе медитации на тигровой шкуре в Гималаях. К его волосам на макушке прикреплен полумесяц, из которого вытекает священная река Ганг. Иногда же он – Натарадж, владыка танца, изображается в грациозном кружении, при этом он поддерживает Вселенную своим нескончаемым танцем. Шиву зачастую изображают вместе с его супругой Парвати и быком Нанди, на котором он передвигается), Шакти (женское воплощение жен богов Шивы и Вишну, иногда их еще называют Шактами. Шива-Шакти красивая женщина, она имеет множество воплощений – Дурга, Кали, Чанди или Чамунди. Парвати-Шакта чаще всего изображается в виде красивой женщины, сидящей в позе медитации, в некоторых случаях она изображается рядом со своим мужем Шивой и маленьким сыном Ганеши). Есть в индуизме и множество других богов, наиболее популярен из них Ганеши, они является сыном Шивы и Парвати. Его обычно изображают в виде фигурки человека с головой слона. Живописные изображения богов индуистского пантеона, а также из изваяния и скульптуры имеют огромное культурное значение.

Декоративно-прикладное искусство Индии

Большое количество ценных предметов искусства, являющихся наследием этой удивительной древней цивилизации хранится в музеях. К ним можно отнести множество древних текстов религиозного содержания, поэзию и прозу, живописные изображения и множество икон, могольские миниатюры, представляющие собой иллюстрации к книгам, а также посуду, украшения, оружие, ковры, ткни, уникальные лаковые изделия, изделия из бронзы и металла и предметы обихода. Большой вклад в сохранение сокровищ и памятников архитектуры Индии внес русский художник Рерих. Позже его инициативу поддержал сын Святослав Рерих, который способствовал в свое время заключению Международного пакта по охране культурных ценностей.

Индийская живопись
Традиция живописи на Индийском субконтиненте уходит корнями в далекое прошлое. Доказательствами высокого мастерства индийских художников служат сохранившиеся до нашего времени фрески в пещерах Аджанты и Эллоры, буддистские манускрипты на пальмовых листьях, миниатюрная живопись могольской и раджпутской школы и многое др.
Посредством рисунка индийское классическое живописное искусство выражает радостность жизни, щедрость ее даров, религиозные чувства и торжество духовного совершенства. Характерной чертой индийской живописи является отсутствие в ней, в отличии от европейской, темы трагичности.
Индийское классическое изобразительное искусство можно условно разделить на два вида: на настенную живопись (фрески) и на миниатюру. Со временем эти виды развились в смесь различных стилей, влиявших один на другой. К примеру, от пещерной настенной живописи впоследствии возникает индийская храмовая настенная роспись.

Пещерные (наскальные) фрески
История наскальной живописи Индийского полуострова восходит ко II тысячелетию до н. э. Ярким примером этого могут служить пещерные фрески Багха, Ситтанавасала. Отдельного внимания заслуживают фрески Аджанты и Эллоры, занесенные в список Всемирного наследия ЮНЕСКО, являющие собой сокровищницу древнего художественного искусства.

Пещеры Аджанты (Ajanta), датируемые II в. до н.э. - V в. н.э., когда-то были обителью буддистских монахов. Позже, покинутые, как считается, во времена расцвета Эллоры, они были забыты вплоть до 1819 г. Обнаруженные по случайности британским охотничьим отрядом, пещеры открыли миру высшее художественное мастерство древней Индии. В пещерах находится множество великолепных фресок, написанных темперой . Отреставрированные в 20-х годах ХХ столетия фрески Аджанты демонстрируют истории из жизни Будды, а также царственных персон и окружения. Сегодня наскальная живопись Аджанты признана историческим наследием и культурным достоянием Индии.

Настенная роспись Аджанты

Падмапани Бодхисаттва (Аджанта)

В пещерном храмовом комплексе Эллоры (Ellora) наскальные фрески сохранились в основном в храме Кайласа. Одни из них изображают бога Вишну и его супругу Лакшми, другие — небесных куртизанок апсар , а также риши — святых мудрецов.

Фрески Эллоры

Высеченные в скале пещеры Багх (Bagh), расположенные в штате Мадхья-Прадеш, славятся своей настенной живописью. Согласно легенде, эти пещеры были основаны буддистским монахом Датакой. Ранее считалось, что пещеры Багх датируются VII в. н. э., но найденные в них настенные надписи указывают на то, что пещеры были созданы в период с IV по VI в. н.э.
В X в. с упадком буддизма пещеры были заброшены, но в 1982 г. их отреставрировали. Самые знаменитые фрески Багха выполнены темперой .

Багх

Фрески Багха

Пещера Ситтанавасал (Sittanavasal/Chithannavasal) — это прекрасный пример наскальной живописи средневековой Индии, расположенный в штате Тамил-Наду. Пещера представляет собой вырезанный в скале джайнийский храм-монастырь, известный как Аривар Койл (Arivar Koil), датируемый VII-IX вв. н.тэ. Он примечателен своими фресками, которые были написаны растительными и минеральными красками на нанесённой тонким слоем мокрой штукатурке. На стенах изображены прекрасный лотосовый пруд, танцующие фигуры людей, животные, птицы.

Ситтанавасала

Индийская миниатюра

Миниатюра — это изящный вид живописи Индийского субконтинента. Изюминкой этого искусства является сложная и деликатная манера письма. Краски для написания миниатюр традиционно делали из натуральных материалов: минералов, растений, драгоценных камней, золота, серебра, раковин моллюсков. Написание миниатюрных картин является очень сложным, кропотливым искусством, где без внимания не остается ни одна из деталей.

Восточно-индийская школа миниатюрной живописи XI - XII вв.
Школа живописи Пала
Самые ранние экземпляры индийской миниатюры относятся к периоду правления буддистской империи Пала, охватывавшей территории современных Зап. Бенгалии, Бангладеша и Бихара. Миниатюры Пала представляют собой иллюстрации к религиозным буддистским манускриптам, датируемым XI-XII вв. Стиль школы Пала — это искусные изящные линии, приглушенные тона, умелое моделирование фигур, использование натуральных красок. Этот натуралистический стиль напоминает идеально отлитые формы бронзовых скульптур и перекликается с фресками Аджанты. Школа Пала уделяет особое внимание символическому использованию цвета в картинах, заимствованному из тантризма.

Бодхисаттва Майтрея (Пала)

Мамаки (Пала)

Херука (Пала)

Западно-индийская школа миниатюрной живописи XII - XVI вв.
Джайнская миниатюра
Западно-индийский стиль миниатюрной живописи развился и доминировал на территориях Гуджарата, Раджастана и Мальвы. Одной из движущих сил творчества в этом регионе, на тот период времени, был джайнизм, покровительствовали которому с середины X в. до конца XIII в. правители династии Чалукьев. Огромное количество религиозной джайнийской литературы широко использовалось среди знати и богатых купцов того времени. Множество из этих манускриптов хранятся сегодня в джайнийских книгохранилищах (Бхандара/Bhandara) во многих местах Западной Индии. Рисунки в этих рукописях сильно стилизованны и искаженны. Акцент вджайнской миниатюре делается на несоразмерность частей тела, глаз, бедер и груди, на их существенное преувеличение. Джайнская школа мниатюрнойживописи уделяет особое внимание чистым цветам, тяжелым золотым контурам и минимизации одежды.
Начиная с XV в. на западно-индийскую школу живописи начинает оказывать влияние персидский стиль изобразительного искусства. Об этом свидетельствуют присущие персидской живописи типы лиц на картинах, формы цветущих деревьев, присутствие сцен охоты, трава растущая пучками, небеса и облака. Особенно заметно это влияние в использовании ультрамаринового и золотого цветов, преобладающих в изобразительном искусстве Персии. Ранними примерами персидской живописи в Индии являлись иллюстрированные манускрипты, многие из которых копировались и постепенно распространялись по всему Индостану.

Бахубали (Джайнская миниатюра)

Могольская школа миниатюрной живописи
Могольская миниатюрная живопись отражает сочетание индийского и персидского стилей. Как искусство она возникла в период правления могольского императора Хумаюна (1530-1540 гг.; 1555-1556 гг.). Вернувшийся в Индию из Персии, где он находился в изгнании, Хумаюн привез с собой двух персидских художников, положивших начало развитию могольской миниатюрной живописи. Со временем персидская живопись, впитавшая местные традиций, сформировала свой характерный стиль. Основной тематикой могольской миниатюры являются сцены охоты, боя, сцены из придворной жизни, моменты из легендарных историй, природный ландшафт, изображения животных и портреты.

Джахангир

Под покровительством императоров Акбара, Джахангира и Шах Джахана могольская школа живописи поднимается на новую ступень своего развития. Во времена правления Акбара Великого (1556-1605 гг.) отмечался большой рост художественных мастерских. Сотни художников работали при дворе, следуя стилю, основанному двумя персидскими живописцами, прибывшими некогда с Хумаюном в Индию. Поскольку император Акбар обожал легенды и истории, главными темами в этот период были сцены из Махабхараты, Рамаяны и персидских эпосов.
Во время правления императора Джахангира (1605-1627 гг.) искусство получает огромную поддержку, особенно живопись. В этот период манера письма картин становится более утонченной, цвета более легкими и приглушенными. Наряду с портретами, изображениями животных, птиц и природы, главными темами картин становятся события из жизни самого Джахангира. Ярким примером являются иллюстрации к «Джахангир-наме» (автобиографический дневник императора).
В период правления Шах Джахана (1628-1658 гг.) чувствительность в картинах постепенно была заменена холодностью и строгостью. Тематика картин вращалась вокруг музыкальных произведений, влюбленных пар, святых подвижников.
Тенденция развития живописи, отмечавшаяся в периоды правления Акбара, Джахангира и Шах Джахана, постепенно стала снижаться, когда к власти пришел император Аурангзеб (1658-1707 гг.). Не оказывая должной поддержки художникам, император положил начало упадку могольской живописи. И уже к середине XVIII в. в период правления Шаха Алама II (1759-1806 гг.) искусство живописи Великих Моголов почти исчезло, оставив после себя лишь одну ветвь, известную как раджпутская школа живописи.

Император Акбар

Раджпутская школа миниатюрной живописи
Со времен правления Аурангзеба придворные художники, оставшиеся без покровительства императорского двора и средств к существованию, были вынуждены искать прибежища в других землях. Постепенно переселившись в Раджастан, мастера могольской живописи стали возрождать могольскую миниатюру, но уже под особым влиянием местного изобразительного искусства. Так в каждом из раджпутских княжеств зародился собственный стиль. Тем не менее, все они имеют схожие черты, развившиеся еще при дворе Великих моголов. Со временем раджпутская миниатюра стала боле масштабной, переместившись на внутренние стены дворцов и фортов. Основными темами раджпутской живописи становятся истории из Махабхараты и Рамаяны, местные пейзажи и повседневная жизнь людей, а также истории из Бхагавата Пураны, Кришна-лилы и Рагамалы. Краски для живописи местные художники получали из природных материалов.

Рагамала (букв. «гирлянда раг (мелодий)») эмоционально-музыкальное настроение переданное языком рисунка – классический пример слияния живописи, поэзии и музыки, воплощенный в прекрасных миниатюрах. Это живопись, в основу которой легли различные индийские музыкальные мотивы из раг. Общей темой рагамал является любовь между мужчиной и женщиной. Абсолютно все рагамалы изображаются в конкретных цветовых гаммах, в зависимости от времени суток или сезона, в которые исполняют те или иные раги. Делается это с целью передачи эмоции и настроения вызываемых рагами.

Школа живописи Пахари
Считается, что живопись Пахари – это отражение раджпутской миниатюры, которая развивалась и процветала в период с XVII по XIX вв. на землях, подвластных раджпутским князьям (области современных штатов Химачал-Прадеш и Джамму и Кашмир).
Живопись пахари можно классифицировать в пределах двух стилистических школ, а именно басоли и гюлер-кангра .

С незапамятных времен провинция Джамму была разделена на независимые княжества, среди которых Басоли всегда занимало важное место, где и возник знаменитый центр искусства. Зародившись в Басоли (Basohli/Basholi) этот одноименный стиль широко распространился, постепенно преобразовавшись в другие известные стили живописи пахари, а именно чамба , гюлер , кулу и манди . Живопись басоли легко распознать по энергичным, смелым линиям и ярким цветам (красным, горчичным и синим). Она также характеризуется геометрическими узорами, глянцевой эмалью, поразительными лицами с высокими лбами и выразительными глазами, подобными лепесткам лотоса, а также одеждой в могольском стиле. Излюбленными темами художников того времени были сцены из "Гита Говинды", "Бхагавата Пураны", а так же Рагамалы.

Басоли

С постепенным исчезновением стиля басоли в середине XVIII в. на арене Индийского изобразительного искусства появился cтиль кангра или гюлер-кангра , названный так в честь области Кангра, где он возник. Развиваясь и обретая популярность, школа мастеров живописи кангра, стала заметно выделятся в горном регионе. Данный стиль возник в небольшом княжестве Гюлер (Guler), расположенном на территории современного округа Кангра в Химачал Прадеше. Особенностью стиля кангра является широкое использование оттенков зеленого. Этот стиль более чем натуралистический, так как огромное внимание в нём уделяется деталям окружающей природы: цветущим растениям, лианам, ручьям, природным стихиям. В своих работах художники используют основные цвета, разбавляя их нежными, свежими оттенками. Композиции многих картин состоят из сложных ландшафтов. Но особое внимание мастера стиля кангра уделяют женственности, изображая женщин изящными и утонченными. Вдохновлённые культом бхакти, распространившемся к тому времени в этих местах, художники, изображали на своих картинах истории из" Гита Говинды" и "Бхагавата Пураны".

Кангра

Деканская школа живописи
Деканская школа, развивавшаяся на территории Деканского плоскогорья с XVI в., поглощала в себя традиции живописи Малавского султаната, а также южноиндийские традиции Виджаянагарской школы живописи. Выдающимся примером живописи Малавсого султаната является иллюстрированная рукопись «Кальпа-сутры», датируемая 1439 г., а также трактат об искусстве приготовления пищи «Нимат Нама».

Иллюстрация к Нимат Наме

Деканская школа живописи характеризуется сочными и яркими цветами, что ставит ее в противовес школам севера. Основными цветами в деканской миниатюре являются синий, красный и розовый. Главную роль здесь играет симметрия. Фигуры людей, архитектурные сооружения, деревья, цветы, подушки, складки на одежде и даже положение различных частей тела размещены на полотне так, чтобы во всем было соблюдено равновесие.

Деканская миниютюра

Многие из примеров деканской живописи XVI в. выдержаны в персидском стиле, поскольку местные художники являлись потомками приглашенных в Индию живописцев из Персии. Однако с течением времени персидские элементы были в значительной степени заменены на местные.
Позже, когда могольский стиль живописи с приходом к власти императора Аурангзеба стал проникать на территорию деканских султанатов Ахмаднагара, Биджапура и Голконды, деканская школа преобразилась, вобрав в себя его особые черты.
Наиболее известным примером живописи Ахмаднагара (Ahmadnagar) является иллюстрированная рукопись поэмы «Тариф-и-Хуссэйн Шахи» (Tarif-i-Hussain Shahi) на персидском языке, летопись правление Хуссейна Низам Шаха (Husain Nizam Shah) 1565-1569 гг.

Живопись Биджапура (Bijapur) известна своими иллюстрациями к книге «Звезды наук» (Nujum-al-ulum) с многочисленными миниатюрами, выполненными в характерном персидском стиле. Отличительной особенностью данного стиля является обилие золотого цвета и многочисленных цветущих растений, поскольку при дворе Али Адил Шаха (Ali Adil Shah), правившего в период с 1558 по 1580 гг., работали персидские мастера живописи.

Голкондский (Golkonda) стиль также схож с персидским.

Голкондская миниатюра

Мигрирация художников из могольского государства способствовала возникновению новых центров живописи на Деканском плато, таких как Хайдерабад. Хайдерабадская (Hyderabad) школа живописи стала развиваться после становления династии Асаф Джахи (Asaf Jahi) в 1724 г. Основными характеристиками хайдерабадского стиля живописи являются, подобно деканскому, сочные и выразительные цвета.

Хайдарабадская миниатюра

Традиции деканской школы живописи оказались настолько прочными, что даже несмотря на упадок деканских султанатов, они продолжают жить и радовать взоры.

Южноиндийская живопись

Танджорская живопись
Танджорская живопись — одна из самых популярных форм классической южноиндийской живописи. Плотное заполнение, обилие элементов роскоши, яркие цвета, а также использование инкрустации полудрагоценными камнями, жемчугом и разноцветным стеклом отличают танджорский стиль от других видов живописи. Такая рельефная работа придает картинам трехмерный эффект.

Танджорская живопись зародилось в XI в. во времена правления тамильской династии Чола. Этому искусству также покровительствовали князья династии Наяков. Падение Виджаянагарской империи привело к массовой миграции виджаянагарских художников в Танджор (Танджавур), что привело к смешению художественных стилей и вывело уникальную танджорскую школу живописи на новый виток развития. Во времена правления монархов династии Чола ранняя танджорская живопись встречалась лишь в виде фресок на стенах храмов и дворцов. Позже, с преобладанием влияния династии Наяков фрески стали уступать свое место картинам. Ярким примером танджорской живописи времен Чола и Наяков являются фрески храма Брихадишвара в Танджавуре.

Картины танджорской школы могут быть как довольно огромными, так и очень миниатюрными. Главными сюжетами танджорского стиля являются изображения богов, богинь, святых личностей, сцены дворцовой и общественной жизни. Центральный персонаж картин всегда детально прорисовывается. Фигуры в танджорской живописи обладают округлыми формами и довольно массивны. Классический традиционный рисунок наносился природными красителями на деревянные дощечки, известные как Palagai Padam (Palagai означает деревянная дощечка, Padam - рисунок), для которых использовали древесину джекфрута (Artocarpus heterophyllus) или тика (Tectona grandis). Современные же художники применяют обычные краски и фанеру, на которую натягивается холст.

Майсурская живопись
Майсурский стиль так же как и танджорский считается классической формой южноиндийской школы живописи, которая является ответвлением Виджаянагарской школы. Она развилась в княжестве Майсур (Карнатака), подчинённом Виджаянагарской Империи. С 1399 г. Майсуром правила династия Вадьяров, покровительствовавшая развитию искусства, в частности живописи, которая в этот период достигла наивысшего расцвета. Художники Майсура расписывали своими картинами стены и потолки храмов и дворцов. Наглядным примером ранней майсурской живописи является все еще действующий храм Вирупакши в Хампи, датируемый VII в. н.э.

Фрагменты храмовой росписи в Хампи

Схожий с танджорским стилем майсурский завораживает своей красотой и сложностью исполнения. Приглушенные тона, изысканность и тончайшая детализация предметов — основные характеристики майсурской живописи. Основная тематика майсурской живописи — это изображения богов и богинь, а так же сцен из индуистских и джайнийских эпосов. Майсурская живопись выполняется на плотной бумаге, наклеенной на деревянную дощечку. Ранее для создания картин использовали природные красители и золотую фольгу, сегодня же вместо природных красок художники используют акварель.
В наше время картины, выполненные в майсурском стиле, жители южной Индии преподносят в качестве памятного подарка.

Другие стили индийского изобразительного искусства

Мадхубани
Согласно легенде, роспись мадхубани (madhubani), или как ее еще называют майтхили /митхила , зародилась как искусство во времена правления легендарного правителя страны Видеха, царя Джанаки. Дворец Джанаки, отца принцессы Ситы, находился в городе Митхила. К свадебной церемонии единственной, а потому любимой дочери Ситы и царевича Рамы, царь и распорядился украсить свой дворец. С той-то поры ни одна из свадеб не обходится без украшения внутренних стен домов прекрасной живописью.
Изначально картины рисовали на внутренних стенах домов по свежей штукатурке. Штукатурный раствор готовили из земли, смешанной с коровьим навозом. Росписью занимались исключительно женщины и лишь по случаю свадьбы. Так настенная живопись, называемая местными жителями Бхитта Читра (Bhitta Chitra), переросла в культурную традицию, чтимую на протяжении веков.
Тематика митхильской живописи вращается вокруг индуистских божеств, небесных светил, Солнца и Луны, священных растений, а также сцен из жизни, связанных с всевозможными торжествами, в основном свадебными.

Эта традиционная живопись имеет пять отличительных стилей: Бхарни, Качни, Тантрик, Годна и Гобар (Bharni, Katchni, Tantrik, Godna и Gobar). Первые три стиля основали и применяют женщины из высшего сословия (брахманов). Основной направленностью этих стилей являются религиозные темы, изображающие богов и богинь. Другие два стиля включают аспекты повседневной жизни, а также божественную символику (без изображения богов и богинь) и исполняются представительницами низших сословий (шудры).
Для создания красок используют только натуральные красители, полученные из растений или других природных веществ. Для черного цвета применяют древесный уголь или сажу, для белого — рисовую муку. Желтый цвет получают из корня куркумы, синий — из индигоферы красильной (Indigofera tinctoria ) , красный — из цветков гибискуса (кусама/kusam) или красного сандала, зеленый — из листьев. Картины пишут либо кистью, либо палочками, иногда просто пальцами.

Вплоть до 1934 года митхильская живопись была недоступна для внешнего мира. Только лишь после сильнейшего землетрясения 1934 г., потрясшего штат Бихар, живопись мадхубани стала всеобщим достоянием.
Во время осмотра повреждений домов британский офицер Уильм Г. Арчер был ошеломлен и очарован красотой и незаурядностью, найденных им изображений, украшавших внутренние стены сооружений. В результате этого открытия митхильское изобразительное искусство взошло на очередную ступень своего развития. Во время засухи 1966-68 гг., повлекшей за собой голод в регионе, преследующая цель популяризации митхильской живописи, а так же оказания помощи бедствующему населению, г-жа Пупул Джайакар (Pupul Jayakar) (позднее глава Всеиндийского совета по ремеслам), рекомендовала субсидировать местных умелец, предложив им рисовать свои картины на бумаге и холсте. Сегодня роспись мадхубани широко известна по всей Индии, а также и за ее пределами.

Паттачитра
Паттачитра — это традиционная народная живопись жителей Ориссы. Патта означает «ткань», читра – «картина». Роспись производят на шёлке или хлопке, который клеят на бумагу. Основной тематикой паттачитры является сюжеты из "Бхагавата-пураны" и гаудия-вайшнавский культ. Местные мастера, известные как читракары (chitrakar), придерживаются классических традиций, применяя в работе природные красители.
Существует также разновидность паттачитры, известная как тала паттачитра (Tala Pattachitra), т.е. роспись на пальмовых листьях.

Бенгальская живопись пата
В Западной Бенгалии существует свой аналог паттачитры — это традиционная живопись пата (pata) . Роспись выполняют на хлопке, шелке или любой другой ткани. Для красителей используют только природный материал. Сюжетами картин могут служить как индуистские религиозные мотивы вайшнавского (вишнуиты) толка, так и связанные с буддизмом истории. Также весьма популярной является природная тематика (животные, морские обитатели и растения).

Каламкари (kalamkari) — это особая техника росписи или штамповки по хлопковой ткани или шелку органическими красителями. Этот вид искусства пришел в средние века на территорию Индии из Персии. В переводе с фарси калам — это «перо, палочка для письма», а кари означает «мастерство/искусство». Каламкари подразделяется на два стиля: стиль Шрикалахасти и стиль Мачилипатнам.
В Шрикалахасти каламкари (shrikalahasti kalamkari) роспись выполняется вручную при помощи калам – палочки из бамбука или финиковой пальмы, которую наполняют органическими красителями. Вначале рисуют контур традиционных узоров, а затем раскрашивают цветными красками. Основной тематикой этого стиля являются истории из «Рамаяны», «Махабхараты» и пуран, а также жизнь Будды. В старину разноцветные панно с изображениями богов в стиле шрикалахасти каламкари украшали стены храмов. Бродячие артисты устраивали представления, используя огромные холсты, демонстрирующие истории из пуран (древнеиндийские писания), выполненных в этой технике.

Мачилипатнам каламкари (machilapatnam kalamkari) — это роспись по ткани при помощи деревянных штампов. Этот стиль развился во времена правления Великих Моголов и обрел особое покровительство Султаната Голконда. Отличительной особенностью этого стиля являются персидские цветочные мотивы.
В технике каламкари выполняются различные текстильные изделия, такие как настенные панно, занавески, покрывала, подушки, сумки, а также сари и накидки. Сегодня, как и много веков назад, каламкари является основным источником дохода многих семей Андхра-Прадеша.

Живопись Гонд (gond) является одной из форм индийского народного искусства, практикуемого племенем гонд, бывшем некогда самым крупным племенным сообществом Центральной Индии. Термин гонд происходит от дравидского конд , что означает «холм». Хотя живопись гонд относится преимущественно к племенному искусству Мадхья-Прадеша и его окрестностям, эта форма изобразительного искусства довольно широко распространена в Андхра-Прадеше, Махараштре, Чадисгархе и Ориссе.
Согласно древним поверьям племени гонд, красивые изображения, несомненно, приносят удачу и отгоняют злых духов. Поэтому традиция украшать стены и полы жилищ стилизованными рисунками сохранилась до сих пор. Гонды, хотя и исповедуют индуизм, остаются приверженцами анимизма, поэтому их картины наделены почтением ко всему окружающему их миру, будь то горы, лес или реки. Некоторые изображения рассказывают историю народа, а также индийские легенды и мифы. Художники рисуют свои картины короткими штрихами и точками. Цвета, используемые в живописи гонд яркие, наполненные живостью. Для красок традиционно используют только натуральные красители, такие как древесный уголь, земля, коровий навоз, сок растертых листьев и цветов. Однако последнее время активно используются бумага, чернила и акриловые краски, что придает картинам долговечность. Благодаря своей уникальности живопись гонд заняла прочное место на мировом рынке. Сегодня спросом пользуются не только настенные панно, но и сувениры (ручки, чашки и всякие безделушки), расписанные в этой технике.

Живопись в стиле Мадхубани (что означает "медовый лес") зародилась в маленькой деревне Майтхили штата в Индии.
Картины Мадхубани типично характеризуются смелыми цветами, традиционными геометрическими орнаментами, фантастическими фигурами с большими выразительными глазами, красочной природой. На этих картинах изображены истории из мифологии, и любимым перснажом является Господь .
Происхождение и живописи Мадхубани или Майтхили не может быть прослежена. Митхила считается царством короля Джанаки, отца Ситы. Искусство, которое преобладало в момент Рамаяны в Митхиле, возможно, преобразовалось в течение веков в искусство майтхили. Вековая настенной живописи в Бихаре сыграла значительную роль в развитии этого вида искусства.

Миниатюрная живопись

Как следует из названия, миниатюрная живопись относится к произведениям небольшим по размеру, но богатым деталями изображаемого и экспрессией. Миниатюрная живопись Индии представляет собой обширное разнообразие категорий, включая обилие Могольских миниатюрных картин, которые изображают сцены придворной жизни и современных личностей, события и действия времен Моголов.
Главной особенностью миниатюрной живописи является замысловатые рисунки тонкой кистью и яркими красками, изготовленными из полудрагоценных камнях, морских раковин, золота и серебра.
Индийские миниатюры развитой в период империи великих Моголов (XVI-XIX века) следовали лучшим традициям персидской миниатюры. Хотя миниатюрная живопись развивалась при дворах великих Моголов, стиль был принят индусами (раджпутами) и позже сикхами. Могольская миниатюра процветала во время правления Акбара, Джахангира и Шах-Джахана. Существует довольно много картин, которые сохранились до наших дней.

Живопись Гонда является одной из форм племенного искусства, зародившихся в центральной Индии. Это искусство было вдохновлено холмами, ручьями и лесами, в которых жили гонды.
и социальные обычаи изображены художниками Гонда в виде серии точек и тире, из которых затейливо сложены формы.
Живопись Гонда выполнялась на стенах, потолках и полах в деревенских домах в честь обычаев и праздников. Гонды также считают, что их картины приносят удачу.
Картины представляют собой сочетание земных тонов и ярких оттенков, которые отражают жизнь в полотне.
Способ выполнения живописи Гонда можно проследить в древнем искусстве татуировки, которое является распространенным среди гондов.
Картины отражали фольклор и племенные истории, спетые странствующими поэтами и певцами. Отражать историю в искусстве было обычной практикой в Индии.

Южный штат славится своей живописью Танджор. Будучи формой искусства, которая процветала в Танджоре прошлых лет, этот стиль живописи до сих пор популярен и широко узнаваем. Картины выполнены со вставками из полудрагоценных камней, стекла и золота. Они выглядят очень красиво и придают величие тому месту, которое они украшают.
Героями этих картин являются в основном боги и с большими круглыми лицами и украшенные узорами. Эта форма искусства процветала с XVI до XVIII века в Танджоре во времена династии , была под покровительством князей, Наяк, Найду, и считалась сакральной.
Популярность этого искусства совпала со временем, когда величественные храмы были построены различными правителями и, следовательно, предмет изображения вращался вокруг темы божества.
Этот стиль живописи получил свое название от метода изготовления:"калам" означает ‘ручка’, а "кари" – ‘работа’. Художники использовали изысканные ручки из бамбука, смоченные в растительных красках.
Рисунки состоят из тонких линий и замысловатых узоров.
Этот стиль живописи был разработан в Калахасти возле и Масулипатнаме рядом с Хайдарабадом.

Искусство Каламкари

Каламкари зародилось возле храмов и поэтому имеет мифологическую тематику. Некоторые картины Каламкари отражают следы персидского влияния в мотивах и узорах. Живопись Каламкари процветала во время правления Маратхов и развивалась как стиль под названием Каруппур. Она наносилась на ткани из золотой парчи для королевских семей.

Анджали Найяр, журнал Индийский вестник